Michael

 

¿Es irónico o contradictorio decir que no soy "fan" de Michael Jackson cuando a la vez admiro su voz, sus canciones, su música, sus coreografías, sus capacidad creativa, su amor por el cine? Es pertinente recordar que él fue uno de los más grandes artistas que ha visto la humanidad en estos aspectos: Michael Jackson no era solo un intérprete que recibía canciones de un laboratorio de producción; él era el motor conceptual, el coreógrafo, el compositor y el director visual de su universo. Separar al creador de la creación es complejo cuando el producto final está hecho de su propia corporalidad y de su mente, y sin embargo no resulta irónico si entendemos que "ser fan de un artista" a menudo implica comprar el "paquete completo": defender su vida privada, seguir su mitología personal, participar en la cultura del fandom o idealizar al individuo. 

Es esta misma "ironía" la que nos encontramos en la reciente "Michael", del director Antoine Fuqua, quien cumple con el encargo en los limites que la maquinaria de imagen del producto "Michael Jackson" le permitiera, porque tampoco podemos seraprar tamaña película de su objetivo principal: vender más de Michael Jackson. Nuevamente la contradicción asoma su cabeza cuando la cinta recorre la "vida" de un niño llevado al estrellato y de un joven y un hombre consumidos por su impetu de crear, pero a la vez aprovechado y consumido por una familia que se colgó de él para salir gracias a su talento hacia las más altas ganancias, misma familia que ha producido esta cinta para aún despues de muerto seguir estirando los ingresos que el talento de Michael Jackson aún puede darles.

Fue Graham King el productor de "Bohemian Rapsody" el encargado de que junto a la familia Jackson enmarcaran la "vida" del artista para que  pudiera venderse tan bien como lo hizo el biopic de Freddy Mercury, y bajo esa misma directiva han bajado los niveles de todo lo que podria ser controversial alrededor de la historia contada haciendo del personaje "Michael" un angel o un Jesucristo moderno con nada más que buenas intenciones. Sin embargo no se podian ocultar sus claras "peculiaridades"  su gusto por las compras exoticas y de corte infatil, su casi obsesión por tener mascotas a las que humanizaba al considerarlas sus unicos amigos, siendo lo más resaltante la infancia marcada por el estrellado, el abuso y la soledad, la cual afecta mentalmente al personaje derivando en una fantasia con "Nunca Jamás" y Peter Pan, viendose a si mismo como un niño que nunca iba a crecer y un "protector" de otro niños, por los cuales empieza a sentir una fascinación.

En ese ultimo apartado radica el eje del conflicto de "Michael", en el abuso y asfixia creativa que le impone su padre, quien se convierte en el villano a vencer en esta "primera entrega" de su historia, la cual evoluciona desde sus inicios con los "Jackson Five" hasta su emancipación con "Off the Wall" y "Thriller". Es aqui donde la cinta brilla por lo que es: un espectaculo que celebra la creatividad, el arte y el talento de Michael Jackson en todo su esplendor, para aquellos que disfrutamos su música y podemos ver su dolor interno, es conmovedor volver a oir las melodias del modelo Motown con su soul, funk y groove en la angelical voz del pequeño Michael, sabiendo el transfondo de trauma que se iba generando en él. Palmas para el niño actor Juliano Valdi quien logra transmitir toda la inocencia, fragilidad y esperanzas del pequeño Michael y a la vez interpreta las emociones que el canto de Michael transmitía, usando su voz reconstruida con las grabaciones inconfubles de los Jackson Five, fue de lo que más disfrute de la cinta.

Lo más impresionate de la película es la maestria con la que el director Antonue Fuqua y el actor que intepreta a Michel, su sobrino Jaafar Jackson, vuelven a transmitir todo el espectaculo visual, sonoro y artistico, siempre asociado a lo cinematografico, que fue el legado del arte de Michel Jackson, los números musicales de la cinta son una maquina del tiempo privilegeada al interior de estas gestas y un show en si mismo al nivel de un concierto personal para el espectador. Recomiendo por este motivo ver el film en el mejor formato de cine que puedan encontrar, con respecto a este apartado habrán pagado una entrada a la altura del espectaculo.

Quienes vayan al cine a ver un reportaje judicial de las presuntas fechorias de Michael Jackson, quedarán decepciondos, uno porque el periodo que cubre la película solo va desde su niñez hasta su independencia empresarial de su padre y familia, y porque le objetivo de la cinta no es ese, mal encaminado quiza, la pelicula es un relato que retrata una realidad que el mismo Michael Jackson volvió una fantasía viviente, los mas cinefilos recordaran su pelicula "Moonwalker", un cinta donde se traslapan videos musicales con una historia de Michael transformandose en un conejo de plastilina, un auto y un robot gigante que salvava a unos niños de la calle de unos villanos con armas... eso era la mente de Michael Jackson, partiendo de ahi, esto es lo mas cercano que tendremos a una versión oficial de la perspectiva de su familia honrando su mente y su legado.

Exit 8

Exit 8 (o "Salida 8") es una película interesante por su origen, aunque no es apta para quienes se aburren fácilmente en el cine. Basada en el videojuego homónimo de 2023, su premisa es simple: cruzar un pasillo de una estación de tren y detectar anomalías en los carteles o puertas. Si no hay cambios, se avanza; si se descubre alguno, se retrocede. El objetivo es progresar desde el nivel 0 hasta la salida 8 para concluir el juego.

Gracias al éxito viral del material original, el guion se generó en tiempo récord. La cinta conserva las fortalezas y debilidades del juego, sumando una historia metafórica que intenta calar en el consciente del espectador mediante un planteamiento dramático básico. Aunque el trasfondo invitará al debate, la respuesta final es sencilla.

El protagonista, titulado "El hombre perdido", es un transeúnte japonés absorto en sus dispositivos tecnológicos, oyendo música mientras viaja en un transporte público abarrotado. Este aislamiento es un tema recurrente en la sociedad japonesa y sirve como punto de partida para la alegoría del pasillo infinito: ¿debemos percibir nuestro entorno y actuar, o escondernos tras la rutina y ser indiferentes ante las injusticias?

El desencadenante de la trama es una llamada de su pareja anunciándole que será padre. Ante el miedo de tomar la decisión más importante de su vida, huye hacia la "Salida 8". Allí inicia un recorrido marcado por la tensión y la claustrofobia, acentuadas por un padecimiento asmático heredado del videojuego. Los sobresaltos son escasos —algunos involucran a un inquietante "hombre caminante"—, por lo que la experiencia se percibe más como una tensa espera que como una sucesión de sustos que compensen la espera.

Sin embargo "Exit 8" le da mayor profundidad a la travesía de nuestro avatar, despertando al "hombre caminante" como un reflejo de lo que el protagonista podria llegar a convertirse si decidiera ignorar su alrededor e introduciendo el personaje de "el niño" como el hijo que el protagonista podria negarse a tener, pero que finalmente decide rescatar.Todo esto le da un arco al jugador de turno y le permite superar sus miedos y carencias, dando un cierre narrativo esperado y un mensaje y lección aprendida

Más allá de ser un dato curioso, Exit 8 atraerá al público masivo que siempre busca suspenso. Quizá hubiera sido más relevante explorar el horror físico, como en la mítica Cube, pero solo el éxito de esta entrega dirá si la franquicia evolucionará hacia horizontes más ambiciosos. Por ahora, ha dado suficiente de qué hablar.

Project Hail Mary

                       

Cuando supe que este año saldría una nueva película basada en otro libro de Andy Weir, autor de "The Martian", no pude sino emocionarme por el tráiler, el cual prometía una temática un tanto similar: un astronauta solitario abandonado a su suerte que tenía que ingeniárselas para sobrevivir, para cumplir con alguna misión indeterminada de la que dependía la supervivencia del planeta Tierra. Los visuales se veían geniales, y la música épica, el protagonista era Ryan Gosling, lo que parecía una apuesta segura; así que no quise saber nada más, para solo ir a disfrutarla y sorprenderme.

En retrospectiva  medida que la película se desarrollaba pude notar diferencias abismales con "The Martian", no solo porque la "ciencia" no es el eje central de la película, aunque si gravita en torno a ella, sino porque la verdadera temática estaba centrada en este profesor de escuela, el cual era una científico retirado de las esferas de la investigación, por sus "controversiales" ideas de que la vida podría tomar diferentes caminos si se le impusiera entornos diametralmente opuestos a los de la Tierra. Porque principalmente Project Hail Mary descansa su peso en los hombros de su protagonista, un actor que en esta película hace un despliegue único por la naturaleza del guión y la dirección de Christopher Miller y Phil Lord, directores de proyectos cómo "Lluvia de Hamburguesas" y "Lego: La Película".

En este último detalle, radica toda la peculiaridad de "Project Hail Mary", sus directores provenientes del medio de la animación fueron escogidos debido del plot twist del segundo acto; porque al inicio, aunque hay atisbos por la actuación de Ryan Gosling, la película intenta asemejarse a una mezcla de "The Martian" con visuales de "Intersetellar", esto gracias a la fotografía de Greig Fraser, famoso cinematógrafo de cintas como "Star Wars: Rogue One", "The Creator", "Batman" o "Dune", que le permite crear la atmosfera de premura apocalíptica, cuando una científica descubra una línea de microorganismos astrofagos que van desde el Sol a Venus llamada "Línea Petrova", los cuales consumirán la energía solar haciendo inhabitable el planeta en un plazo de unos treinta años.

Sin embargo los visuales de Fraser sufren un contraste interesante con las melodías del compositor  Daniel Pemberton, quien también viene del medio de animación con sus geniales composiciones para la saga de "Spiderman: Into The Spiderverse", que acompañan el radical y atrapante inicio cuando nuestro protagonista, el maestro de escuela Ryland Grace, despierte en medio del viaje a Tau Ceti, la estrella que se encuentra a casi doce años luz de la Tierra, con amnesia, sin saber por qué esta ahí, y sin recordar siquiera quién es él. En la nave que lleva otros dos ocupantes fallecidos durante el viaje, Grace descubre que no solo todas las estrellas de la galaxia están infectadas, sino que además está en un viaje sin retorno para descubrir por qué Tau Ceti es la única estrella que no está siendo consumida por los "astrofagos".

En este momento es pertinente volver a la actuación de Ryan Gosling; repasemos: dos directores y un compositor de premiadas cintas de animación, un director de fotografía de cintas de ciencia ficción, y para completar el equipo Drew Goddard, guionista de ciencia ficción de cintas como "Cloverfield", "Guerra Mundial Z" y el mismísimo "The Martian", todo este A-team que los Avengers estarían orgullosos de haber reunido, tenia un mismo objetivo: Hacer de "Project Hail Mary" una película animada llevada al "live action".  Y es en este mar creado por el equipo que la actuación de Gosling se sumerge y sinceramente amerita ser considerada para los premios de mejor actuación del año que viene, por el increíble precedente que sienta.

Gosling es, bajo esta perspectiva, un héroe renuente a la acción, un científico con una idea loca y una mente hábil dentro de un cuerpo torpe y una inocencia genuina, como si el personaje de "Lluvia de Hamburguesas" hubiera cobrado vida; su humor incesante y positivismo es una espejo de Emmet, el alegre protagonista de "Lego: La Película" y la épica sucesión de logros científicos que alcanza la humanidad a través de él, se aleja mucho de la rigurosidad científica de "The Martian" para adentrase un poco más la ciencia ficción de "Spiderman".

Para aquellos mal informados que vayan a ver "Project Hail Mary" esperando encontrar una nueva "Interestellar" podrían quedar muy decepcionados, pero para aquellos que como hice, vayan con la perspectiva predispuesta al asombro, notarán que la cinta de este reparto coral de técnicos y artistas esta más emparentada con "Wall-E" que con el film de Christopher Nolan. Sin embargo, no por eso carece de un correctísimo guión lleno de logros y caídas para nuestro protagonista que nos mantienen las dos horas y media de duración esperando ver más, y esto gracias a la colaboración del guionista Drew Goddard con el autor del libro original Andy Weir, que inevitablemente deben guardar el corazón de la cinta oculto hasta el giro del segundo acto, luego del cual "Rocky" (para los que ya vieron la cinta) se vuelve el "inocente" a proteger por nuestro héroe.

Pero de nuevo la presencia de "Rocky" caería a pedazos si no fuera, además por el sofisticado trabajo del equipo de efectos prácticos y especiales que le dan vida, por la actuación de Ryan Gosling quien da nuevamente una clase magistral de que la actuación es noventa por ciento reacciones, lo que hace que el vínculo entre ambos personajes se sienta realista y mantenga el espíritu y el interés del púbico pendiente de su bienestar. Decisiones tomadas por los realizadores convierte a Grace en una figura paterna más que en un igual para "Rocky", pero la alegría y ciencia lúdica que comparten ambos permite sentir también una amistad colaborativa a equidad de intelecto.

La cinta se complemente con la brillante y contrastante actuación de Sandra Hüller, recordada actriz alemana de cintas como “Anatomía de una caída” o “Zona de interés” , quien es el anclaje de la historia a una sensación de realismo y apremio que acompaña al “siempre en las nubes” Doctor Grace, es ella quien con el objetivo siempre en la mira, conduce los eventos bajo una actitud indoblegable y en ocasiones fría, que se rompe cuando es alcanzada por su aspecto mas humano y vulnerable en la ya memorable escena donde canta “Sing of the Times” de Harry Styles; y es este es otro motivo para disfrutar de “Project Hail Mary”, su fabuloso soundtrack de canciones inolvidables, desde gastarse una gran cantidad de presupuesto en una escena épica con “Two of Us” de The Beatles, hasta tener un momento de belleza emotiva con la “Gracias a la vida” de Mercedes Sosa.

Canciones, guión, diseño de arte, cinematografía, composiciones originales, dirección, actuaciones y sobre todo el increíble ejemplo de que la “animación” tiene una narrativa y preceptos que llevan décadas relegados pero que son igual de válidos y conmovedores para el público general, todo trabaja junto como una orquesta alegre para hacer de “Project Hail Mary” una de las razones por las que aun vale la pena pagar una entrada y sentarse en una butaca en el cine.

 

A knight of the seven kingdoms

 

"Un caballero de los siete reinos" es la más reciente adapatación para la televisión del universo de "Canción de Hielo y Fuego" escrito por George R. Martin, cuyo éxito televisivo estallara con "Juego de tronos"; solo que en esta ocasión la escala es menor, más intima, y sigue las aventuras de Dunk, un desconocido escudero, vuelto (o no vuelto) caballero errante, quien, la morir su señor, se dirige a una justa que celebra el honomasitco de la hija del señor de un castillo, y que en su camino se topa con una pequeño niño con la cabeza rapada apodado "Egg" (huevo) .

A partir de un personaje inocente y en cierta medida un "tonto", la historia nos traslada en la cotidianidad del pueblo llano, donde la injusticia y la indiferencia por los problemas de los otros reina como ha reinado y reinará durante toda la historia de la humanidad, para encontrarse con un corazón puro cuyo fin es hacer lo correcto, tal cual jura en sus votos de caballería. En gran medida la historia es un eco de aquella que Cervantes escribiera sobre otro caballero errante que recorriese La Mancha causando más desastres de los que quisiese solucionar, siempre con el baluarte de la justicia y la defensa del inocente; asi como "El Quijote" Dunk, reconvertido por necesidad en "Duncan El Alto", hace de si mismo el tonto en una linea delgada que separa su forma de hacer siempre lo correcto,entre la valentía y la estupidez, con él único norte que los juramentos de un cababllero.

Siendo el material base un cuento, y no una novela como lo fuera "Juego de Tronos", los capitulos de "Un caballero de los siete reinos" tienen una duranción de poco más de treinta minutos, que si usted logra pasar por las introducciones de los dos primeros (una de defecación visual y otra de genitalidad exagerada), podrán encontrar una historia bellamente contada y magistralmente dirigida, con una clara tendencia a la innovación narrativa, con la prespectiva de Dunk como principal eje. "Un caballero de los siete reinos" se toma su tiempo para respirar, admirar el paisaje, sentir la lluvia o presenciar el paso de una estrella fugaz rescotados bajo la sombra de un olmo en la noche, lo que devuelve la tranquilidad de un relato bien llevado donde los detalles más mundanos como preparar un desayuno se vuelven sublimes en compañia de Egg y Dunk.

La epicidad del relato cobra un giro crucial cuando producto de una supuesta ofensa contra su casa por un espectaculo de marionetas donde se mata a un dragón, Aerion Targaryen, el cruel y joven principe villano de este relato, intente romper los dedos de Tanselle la titiritera, amiga e interes romantico de Duncan, quien sin medir las consecuencias interviene golpeando al principe, lo que se considera traición. Es aqui donde es condenado a perder la mano y el pie con el que golpeó al principe, y donde por consejo de Baelor Targaryen, heredero al trono, Dunk pide un jucio por combate, como si de un wenster se tratase, dondedeberá unir a siete caballeros que defiendan su causa a muerte.

Los visuales donde el juicio se lleva a cabo, en esta ocasión convertido en un "juicio de siete", donde siete caballeros de un lado y siete del otro deben pelear a muerte por la justicia divina de determinar la culpabilidad o inocencia del acusado, son de otro nivel enteramente; al estilo de "Saving Private Ryan" la cámara nos sumerje en la presepectiva de Dunk a un nivel de inmersión realista que nos hace sentir dentro de la justa, convirtiendose en uno de los mejores capitulos de la historia de la televisión.

Los personajes estan magistralmente actuados y brillantemente dirigidos, todos y cada uno resulta interesante, producto de que el productor creativo a respetado al pie de la letra el material base creado por George R. Martin; desde Sir Alan de Pennytree, maestro de Duncan, hasta Raymond Fossoway ó Lionel Baratheon, todos y cada uno tienen su momento de humanidad y epicidad que los sumen en este evento de vital importancia en el mundo de "Juego de Tronos" donde las personas mas "insignficantes" pueden cambiar la historia de todo un mundo. Todo esto ha hecho que "El Caballero de los siete Reinos" sea una de las mejores series del año 2026.

28 years later: The Bone Temple

 

"28 years later: The Bone Temple" es la segunda película, de una nueva trilogía, de la tercera entrega de la trilogía original que empezara en el 2002 con "28 días después" y tuviera su secuela con "28 semanas después". Si esto les parece confuso déjenme guiarlos por el fascinante universo disruptivo en el género de cine zombi.

El año pasado la tercera entrega de la trilogía original llamada simplemente "28 años después" causo una placentera sorpresa entre los fans de la saga y al público general, llevando al extremo la historia del particular virus zombi creado por Danny Boyle. Y es que, en este universo, el virus tiene características que ya en el 2002 lo destacaron de todas las anteriores películas (comerciales) del género: se basa en una enfermedad de “ira” creada en un laboratorio y testeada en simios que por accidente infectan a los seres humanos, quienes inmediatamente pierden control de su conciencia, para empezar a tener hemorragias vomitivas, una ira desmedida y un ataque constante a otros seres humanos a quienes transforma.

Queda claro que en este caso, los infectados no pierden la vida, sino que se transforman biológicamente en otra forma de vida, algo que no había quedado claro hasta la entrega anterior en la que una de las infectadas en estado “zombi” fue encontrada embarazada, dando a luz a una bebé sana libre de la infección.

Mientras que la entrega anterior sorprendió con esta revelación, que realizaran su joven protagonista Spike y su madre Isla, en su búsqueda por el doctor Kelson interpretado por Ralph Fiennes. Esta entrega retoma la historia de Spike ahora unido a grupo de jóvenes con el que se topa, que actúan con acciones violentas sobre los sobrevivientes humanos con los que se toman, su líder los hace llamar a todo “Jimmy”.

“Bone Temple” difiere con su antecesora en que el protagonista Spike queda relegado por la decisión narrativa de centrar el eje de la acción y el protagonismo en dos personajes: El líder de los “Jimmys” y el doctor Kelson. Este podría ser el primer punto de desequilibrio en alguien que quisiera ver una continuidad de perspectiva, porque, aunque Spike aún es parte vital de la historia, su personalidad combativa y heroica para haber desaparecido para dar pase a una más temerosa e inactiva.

Son los otros seis “dedos” de Jimmy, a quienes él llama así, y su visión destructiva del mundo, el cual creen que ha caído en el dominio de Satanás y bajo el cual torturan y matan a las personas, lo que contrasta con los experimentos del doctor Kelson de traer de vuelta la humanidad en los infectados, teniendo como paciente de prueba al famoso zombi alfa Sansón a quien poco a poco medica experimentando con los límites de los efectos del virus en los seres humanos.

Son estas dos motivaciones: la humanista de Kelson y la satanista de Jimmy las que finalmente confluyen en el clímax de la película, que aunque en apariencia simple, esta llena de personajes carismáticos y actuaciones memorables; la estética del escenario nos permite entrar en la fantasía teatral en la que se ha convertido el mundo para estos seres, unos desde el miedo y las creencias y otros desde la razón y la ciencia, lo que hace un contraste realista de la misma naturaleza humana, sobrepasando la animal, para ser única en los limites que sobrepasa, capaz de crear y curar, como de destruir y matar.

Nina de Sosa ha logrado hacer una entretenida y destacable entrega de esta saga que mantiene la expectativa de que pasará a continuación, temiendo naturalmente por cada uno de los personajes, incluido Sansón. Si usted no tiene un estomago sensible podrá soportar la mínima dosis de gore que plantea la cinta, una digna entrega del universo de “28 días después”.

Rental Family

 

Rental Family es el segundo largometraje de la directora japonesa Hikari, quien saltó a la fama con la serie de Netflix "Beef", y quien mantiene, en esta última película, esa peculiar dualidad de ser de origen japonés pero criada en Estados Unidos desde su adolescencia. 

De esta dualidad surge "Rental Family", la historia de Philip, un actor estadounidense que se ha quedado "varado" en Japón tras triunfar en un anuncio de pasta de dientes, y que ahora va de trabajo en trabajo ofreciendo sus dotes interpretativas al mejor postor; hasta que inesperadamente se topa con una oferta de trabajo para actuar como familiar, asistir a velorios, ser el "novio extranjero" de una chica en apuros o el padre de una chica que nunca ha conocido a la suya. 

Hikari ha comentado que la idea de esta película surgió de la búsqueda de "trabajos inusuales" que un estadounidense pudiera realizar en Japón. Su coguionista, Stephen Blahut, sugirió este negocio de alquilar "familias" o "personas", algo verdaderamente extraño para el público en general, incluidos los japoneses, pero que parece haber cobrado mayor impulso tras la pandemia y el avance tecnológico, factores que han contribuido a una mayor sensación de soledad entre la población japonesa. 

Para el papel de Philip, Hikari eligió a Brendan Fraser, ganador del Óscar por "La Ballena", quien en esta película interpreta a un personaje inocente y soñador, pero pragmático, que simplemente busca trabajo para sobrevivir en Japón. Esto significa que no hay otra motivación que aceptar el nuevo rol como un trabajo más. Poco a poco, y como se esperaba de los tráilers y las sinopsis, Philip comienza a desarrollar un vínculo emocional con las personas para las que interpreta un personaje, sin que estas lo sepan.

Esto sucede porque algunas personas contratan los servicios de Philip para satisfacer las necesidades de sus seres queridos, quienes desconocen que es actor. Este es el caso de la niña mencionada anteriormente, que necesita una figura paterna para matricularse en la escuela, y a quien Philip se presenta como su verdadero padre; o de un escritor anciano con Alzheimer, para quien Philip interpreta a un reportero interesado en su vida. En ambos casos, nuestro protagonista desarrolla empatía y afecto por sus clientes, algo que no debería, pero que le resulta imposible no sentir. En ambos casos, va más allá de sus obligaciones por su bienestar, no sin consecuencias dramáticas.

Pero las novedades de "Rental Family" terminan ahí. Su ritmo distintivamente "japonés" no es gratuito ni forzado; es, en sí mismo, la "naturaleza" de cierto estilo narrativo japonés que se originó con el nacimiento de su cine con directores como Yasujirō Ozu. Este estilo refleja la cadencia ceremoniosa y la armadura externa que la gente de la sociedad japonesa está acostumbrada a exhibir, un estilo impuesto por los propios personajes, como hizo Wim Wenders con "Perfect Days". Pero donde otras historias encuentran personajes carismáticos, Hikari no revela nada nuevo. Por alguna razón, "Rental Family" da la sensación de ser una producción diseñada para forzar la emoción, con música que nos indica que debemos conmovernos.

Para distinguir claramente una obra que alcanza mayor profundidad, se puede ejemplificar la película japonesa de 2008 "Departures", dirigida por Yojiro Takita, una especie de sentimentalismo llevado naturalmente al clímax de la realización de la conexión humana y la celebración de la vida. Mientras que "Departures" resuena con contenido, "Rental Family" permanece anecdótica. Quizás si la película resulta "anecdótica", se deba a que la vida de Philip en Japón es, por definición, una sucesión de anécdotas pagadas. El cine contemporáneo de Hikari refleja una verdad incómoda: a veces, en la modernidad, la conexión humana ya no es un "clímax natural", sino un servicio que intentamos optimizar mediante la estética, incluso si el resultado es un "vuelo a medias".

One battle after another

 

Somos verdaderamente afortunados de que esta película se haya estrenado en cines de todo el país, y más aún en cines provinciales. Esto se debe quizás principalmente a dos factores: primero, como se puede apreciar en la imagen del encabezado, Leonardo DiCaprio aparece de forma destacada en todos los carteles y materiales promocionales, lo que lo convierte, a ojos del espectador, en el "protagonista" de la película; y segundo, el marketing la posiciona casi como una película de acción, permitiendo al público comprender fácilmente su género. Sin embargo, ninguno de estos factores es del todo cierto, pero tampoco del todo falso. La película utiliza los clichés del cine comercial (secuencias de persecución, villanos excéntricos) para presentar un estudio de personajes profundo y experimental, y eso es lo que la hace tan fascinante, llevándola a ser considerada por el público y la crítica como una de las mejores del año

Es gracias a Paul Thomas Anderson que "Una Batalla Tras Otra" se convierte en un producto único, ya que su filmografía, temáticamente hablando, no había producido previamente una película de acción, y por lo tanto, la acción no es el enfoque principal del director. En cambio, su enfoque principal se centra en el conflicto humano llevado al límite de la psique humana. Películas como "There will be blood", "The Master" y "Magnolia", entre otras, destacan por su profundidad emocional: amor, obsesión, precariedad y contradicción. Estos mismos hilos narrativos son los que podemos esperar en "Una Batalla Tras Otra", que, en apariencia, es una película de acción (porque lo es), y en su interior, un fascinante estudio de los personajes de cada uno de sus actores. "Una Batalla Tras Otra" es, por lo tanto, una batalla de contradicciones que no sigue un único camino: es una película de acción, un drama honesto, una obra sobre la obsesión y una comedia; cada uno de sus personajes, como notas musicales, contribuye a los acordes de esta sinfonía de variaciones.

Desde el inicio DiCaprio se siente como una nota disonante, atípica, por su gran papel secundario, es en esencia una protagonista en las sombras, como podríamos ser precisamente todos en cualquier escenario, el verdadero catalizador de toda la trama es su novia Perfidia Beverly Hills, interpretada por Teyana Taylor, provocadora mujer revolucionaria con el único objetivo de persistir en su lucha contra el estado, en especial es estado opresor de los inmigrantes.

En este sentido, la película se convierte en una extraña declaración de intenciones en un país donde la inmigración ha sido un tema central en la política interna durante años, convirtiéndose también en el motor del conflicto, una tercera capa: la supremacía autoimpuesta de la población "blanca" y su extremismo racial contra las diversas comunidades afrodescendientes y latinas. Dos figuras antitéticas operan en este mundo: el coronel Steven Lockjaw y el carismático sensei Carlos, interpretados por Sean Penn y Benicio del Toro respectivamente, ambos merecidamente nominados a Mejor Actor de Reparto. Son estos dos, junto con Bob Ferguson, el personaje de DiCaprio, quienes transforman la película, una vez que su catalizador inicial, Perfidia, desaparece de la pantalla, en una cuarta capa: la comedia.

Como una serie de episodios basados ​​en historias inconexas, pero sin cortes, "Una Batalla Tras Otra" se despliega ante tus ojos como una secuencia de divertidos contrastes, tan absurdos como la vida misma, mientras Bob y el Sensei Carlos intentan encontrar a Willa, la hija de Bob y Beverly, interpretada por Chase Infinity. La película gira en torno a ella, sin dejar de centrarse en Lockjaw, Bob, el Sensei Carlos y el contexto de la lucha entre el poder y la vida. Mientras Bob (DiCaprio) encarna la paranoia y el caos, Carlos proporciona una especie de "calma excéntrica" ​​a medida que la búsqueda de Willa se convierte en una serie de situaciones donde el plan siempre parece estar al borde del colapso. Anderson y del Toro usan a Sensei Carlos como nota a pie de página, lo que define todo el clímax final de la película.

Willa se convierte en la heroína y protagonista de su propia historia, relegando a Bob una vez más a una nota disonante que resulta inquietante debido a su falta de influencia en su destino final. Sin embargo, es esta decisión decepcionante la que Paul Thomas Anderson ejecuta con maestría, como si se tratara de la música de su compositor habitual, el guitarrista de Radiohead, Johnny Greenwood. Y esa es otra de las cualidades subyacentes de la película: la música de Greenwood y su aire de cine negro, acentuado por melodías disonantes, reflejan a la perfección la dirección que Thomas Anderson da a la cinta.

Sean Penn merece una mención especial. No lo reconocí realmente durante la película hasta que su nombre apareció en los créditos finales. Sus gestos, su físico y la psique interior del personaje, transmitida a través de la forma en que articula cada frase, cada mirada y, al mismo tiempo, persigue sus pasiones y deseos, lo convierten en el villano más simpático de una galería de figuras ilustres como Hans Landa (Christof Waltz), el Joker (Heath Ledger) o Anton Chigurh (Javier Barden). Lo más inquietante de Lockjaw no es su capacidad para la violencia, sino su carisma. Anderson no lo retrata como un burócrata frío, sino como un hombre con pasiones, deseos y una psique vibrante. Es alguien que disfruta de lo que hace; su maldad aunque proviene del odio, también surge de una convicción absoluta en su misión, lo que lo hace aún más peligroso porque es imposible razonar con su entusiasmo. Al retratar a Bob y Perfidia como anarquistas de emociones intensamente violentas, Lockjaw deja en parte de parecer un perseguidor de rebeldes de corazón puro y se vuelve más empático como un perseguidor de personajes verdaderamente peligrosos.

Volviendo al principio de esta reseña, pienso de nuevo que tuvimos suerte de ver esta película en cines. Claro que ahora se puede ver en plataformas de streaming, pero su maestría solo se aprecia plenamente en la pantalla grande, donde eres una conciencia unida a otras, inmerso en una realidad de disfrute a múltiples niveles..