La Odisea

 "Cuéntame sobre un hombre complicado", con esta frase,  proveniente de la traducción al inglés de la académica Emily Wilson sobre la obra épica del poeta griego Homero, empieza la nueva cinta del escritor y director británico Christopher Nolan: "La Odisea" basada en el poema del mismo nombre de más de tres mil años de antigüedad sobre el cual han habido, y aún hay, múltiples debates sobre su realismo histórico, es decir si dicha guerra o protagonista realmente existieron, e incluso siquiera si el poeta que la escribió realmente existió como lo conocemos hoy en día.

Traigo todo esto a colación dado que, en base al relato escrito original, no solo siempre se ha generado debate, sino que además en la misma traducción a diversos idiomas no ha habido un consenso claro. Wilson llama a Odiseo "un hombre complicado", otros traductores "un hombre hábil", "un hombre de recursos", "un hombre de muchos caminos". De todas estas opciones Nolan escogió la de "complicado" y con ello inició un camino de elecciones que difieren esta entrega de "su" Odisea para las audiencias modernas.

Para definir esta reseña bastará con iniciar por el título "La Odisea" de Christopher Nolan, ya que siendo justos no podemos en ninguna postura crítica, sea la que se elija, ambos conceptos que conviven en la obra que hemos visto en cines: "La Odisea" y "Christopher Nolan". 

Sobre la primera, en el inconsciente colectivo siempre se ha generado una imagen reinterpretada del relato desde el inicio, por lo ya expuesto, trasladado a la imaginación del artista o industria que ha pretendido contar la historia; sin embargo, al juzgar cualquiera adaptación, tal como una traducción, que se valga de llevar el título de la obra original, se debe mantener la esencia de aquello que se pretender volver a narrar. Por tanto, para poder reseñar esta película nunca podemos perder de foco cual es la esencia de "La Odisea".

El segundo punto es "Christopher Nolan". Es innegable que el público no solo ha ido masivamente al cine a ver esta película debido el poema de Homero, Nolan lleva ya con esta cinta, casi treinta años haciendo cine y trece películas en su haber, y cada una ha sido un paso en una misma dirección: hacer de su nombre una marca, una garantía de calidad visual, narrativa, un desafío cinematográfico y una maestría en el detalle y el cuidado minucioso del tema narrado.

Basta con recordar cintas como Memento, la trilogía de Batman, Inception, Intersetellar, Dunkirk o Oppenheimer, por mencionar las más representativas; y en cada una de ella las constantes se repiten: en Memento el cuidado narrativo, en Batman el detalle al material base que convirtió batimovil, enemigos y ciudades en entes palpables que tanto el público conocedor como el casual, en Inception el imaginario visual que traslada con suma ambición el mundo de los sueños, basta con recordar la célebre participación de físicos en la creación de los visuales de Interestellar, o la maravilla de personajes correctamente posicionados e interpretados en esencia humana y visión física en Oppenheimer como los casos de Heisenberg, Einstein.

Estos dos conceptos chocan en la mente del público, si incluso el de a pie, sobre esta obra. Nolan ha instaurado en la mente del espectador precisamente que esperar de él. Es por ello por lo que la división se genera principalmente por aquello mismo que Nolan decide traicionar en su propio cine, transformando a este hombre "complicado" en el personaje más plano y simple de su filmografía, quitando de él como si de una fruta más cortada se tratase, toda la pulpa que hace de Odiseo uno de los personajes más fascinantes del género humano. Matt Damon interpreta bajo su dirección a un Odiseo que en breves partes comparte identidad con el personaje que, interpretada, donde Nolan le quita el "ingenio", "los recursos", en tres horas de metraje Damon parece más confundido que decidido, más lastimero que astuto, más cercano a papeles como los que interpretara en The Martian e Invictus que al héroe de Homero, un hombre que calcula engaña, desea placer, rebosa de orgullo y desafío.

La "Odisea" de Nolan tiene tantos agujeros que es imposible detallarlos en esta reseña, pero cada uno acrecentar la pena que se siente en un fan tanto de la primera como del segundo. No solo la falta de los "dioses" en el relato trastoca totalmente la esencia del relato, sino la escenografía y vestuario saca de la inmersión a cualquier espectador que medianamente tenga una imagen base del relato. Esto se incrementa aún más con el elenco elegido para representar estos personajes: actores de etnias tan diversas como la hindú o la coreana, latinoamericanas o ingleses con rasgos físicos y peinados modernos. Como si de una formula bien pensada se tratase Nolan reúne a las más grandes y taquilleras estrellas del momento: Tom Holland, Zendaya, Robert Pattison y las rodea de sus habítales de confianza Anne Hathaway, Elliot Page, Ben Safdie y nuevas adiciones como Jon Brentahl en un traje de Robin Hood, Himesh Pattel, y una desaprovechada Mia Goth.

Nolan revierte la participación de la diosa Atenea, con un templo en Troya, siendo decapitada por los aqueos, cuando la base de todo el relato es el amor que siente Atenea por la inteligencia y astucia de Odiseo, siendo una de las diosas más a favor de la victoria sobre Troya, siendo un error garrafal que los mismos aqueos a quienes ella protegía y ellos se sabían protegidos por ella, entren a Troya a decapitar una estatua en su honor, siendo este un punto tan critico en la narración de Nolan, que es el plot twist que explica la silente participación de Zendaya como una representación ahora "fantasmal" de una sacerdotisa de la diosa convertida en recordatorio de las atrocidades de la guerra para Odiseo. Nada de esto es la esencia de "La Odisea" nada de esto es el relato de Homero, y es ahí donde la apreciación de la película puede dividirse y defenderse desde otros puntos de vista, aquel se note estos defectos y aquel que disfrute sus aciertos.

La película es técnicamente superlativa: rodada enteramente con cámaras IMAX en locaciones reales y escenarios controlados cuidadosamente, crea monstruos y magia en base de efectos prácticos que hacen de esta cinta un deleite titánico que es el mejor punto de disfrute que tiene. Ver al gigante Polifemo representado como un "Saturno devorando a su hijo" de Goya, en la oscuridad de su caverna, al puro estilo de Guillermo del Toro, o a Circe transformando con sus manos a los aqueos, al puro estilo de "Hombre Lobo en Paris", o el uso de la perspectiva para filmar a los gigantes son todos ejemplos de cómo el cine de efectos prácticos tiene una conexión mística, heredada del teatro, aun mas ligada a nuestro inconsciente fantástico que los efectos especiales digitales. Son estas decisiones y la representación de Argos el fiel perro de Odiseo que espera veinte años el regreso de su amo, lo mejor que Nolan logra en su adaptación y que lo diferencia de todas las anteriores.

Así ahora tenemos tantos públicos como caminos tomó Odiseo: unos conformes y maravillados con justicia por una cinta bien narrada, técnicamente intachable y con una sólida historia que aún mantiene la estructura que Homero creara hace tantos miles de años y que sigue fascinando a los seres humanos, y otros que gracias a ese misma fascinación por historia homérica, sienten que Nolan, como otros tantos casos actuales, ha rodado lo que ha deseado y delante de ellos ha puesto el título de "La Odisea". Nolan parece estar proponiendo una Odisea secularizada sobre la barbarie humana, donde los dioses son solo proyecciones del trauma y la culpa del soldado. 

Sin duda gracias a esto el éxito comercial formulado está garantizado, nos quedará a deber la historia del cine, quizá para bien, dejar en las manos de otro gran cineasta realizar "la versión definitiva" de esta hermosa y brillante historia, que hoy Nolan de dejado hecha a medias.

Spiderman: Brand New Day

 Hay una película de Spiderman perfecta, que traslada la emoción de los comics y la escencia del personaje a una versión moderna y hollywoodense de alcance masivo que pocos puedan criticar, esta nueva película de Spiderman no lo es; y aunque tuviera todo para serlo, hay una serie de razones que la alejan de ese objetivo y otras que nos dejan ver que había el potencial escondido para lograrlo.

Iniciamos con un montaje de cuatro años de Peter Parker como el justiciero enmascarado Spiderman en Nueva York, peleas desafiantes con villanos pintorescos, donde un solitario Peter se acerca cada vez más al corazón de los ciudadanos de Nueva York ganandose su respeto y confianza a base de sacrificios y victorias en el bajo mundo de la mafia, todo contado en un montaje de dos minutos, cuyas escenas ya vimos en los trailers; y es que esa que era la película que todos esperaban ver, dura dos minutos de montaje, y la cinta continua sin ver estos cuatro años de crecimiento y madurez del personaje.

Spiderman Brand New Day, nos presenta no solo un Peter Parker sin estudios, sino ademas uno sin trabajo, con lo que la escencia del "hombre de a pie" que es Spiderman vuelve a perderse en esta cinta; en lugar de eso volvemos al "Deus Ex Machina" del Spiderman del MCU, lleno de tencología en su traje y entorno, algo que aunque el final de "Spiderman Far form Home" prometia borrar, esta nueva cinta no puede evitar, siendo ya establecido este Peter Parker como un genio heredero de Tony Stark, una sombra de la cual este personaje parece que nunca podrá escapar.

Fuera de esto, Tom Holland cumple con la transición de su anterior interpretación a una más madura y reflexiba, conflictuada por las decisiones que egoistamente tomó y que en su momento le parecieron heroicas, pero que finalmente retoran hacia él como un tormento. Mirando de lejos a su amigo Ned y interes amoroso MJ continuar con sus vidas sin él, al mismo tiempo que una nueva y peligrosa amenaza telépata ataca a la conocida asociacion "Control de Daños", establecida ahora como una Shield/Gestapo de seres superhumanos.

Son de agradecer las intervencions de Jon Bernthal como The Punisher quien se ha consolidado en el papel como pocos actores, sino ninguno, pudo anteriormente. Aunque se encuentra endulcorado para ingresar en una historia de Spiderman, podemos entender que este siempre es el caso en el cambio de historias entre las mas crudas de The Punisher. La quimica entre Brenthal y Holland sobrepasa la pantalla haciendo de sus escenas unas de las partes más agradables de la cinta. Es emocionante para un fan de Spiderman ver a este duo junto, como en los comics o la serie de los noventa, en ocasiones olvidamos lo afortuandos que somos de poder contar con estos personajes en cintas que unan el universo de Marvel en una sola cinta.

Sin embargo esta misma bendición es tambien una sobrecarga de necesidades del MCU, dado que esta cinta es una ventana para toda una industria que debe vender más de un producto: las series de Disney Plus, las peliculas de los Avengers, y la introducción de nuevos personajes en el universo de Marvel. Y es asi como en esta "película de Spiderman" tenemos gratuitamente a "La Mano" como un ejercito personal de "Control de Daños", a Yelena Belova, Bruce Banner y a una nueva villana telepata, que mueve todo un arco de Spiderman en una dirección desaprovechada al punto de la historia de gladiadro de Hulk en "Planet Hulk".

Toda la idea de "mutación" de Spiderman y el arco que lo vinculaba con The Punisher y los X-men se trastoca para solo rozar la superficie de su potencial, tan desaprovechado que al amante de este arco podria hacerlo dejar la sala, y se reemplaza a favor de una extraña versión de un personaje solitario convertido en villano y que permite un vinculo emocional con Peter Parker al compartir ambos un poder nuevo que ninguno puede comprender o controlar. 

Es una tarea casi imposible, creativamente hablando, para un creador lidear con toda esta agenda en una sola pelicula y aun asi crear un producto disfrutable, siendo esta una de las peliculas de Spiderman mas disfrutable en años, y teniendo atisbos de la escencia del personaje por momentos, estoy seguro que muchas de estas decisiones debieron pasar por focus groups y muchas pruebas de ideas que terminaron es este leviatan de personajes sin perder lo primordial  en el arco del personaje principal.  Naturalmente la industira de Marvel ha logrado tener maestría en salir airosos, aunque no siempre, en dar al publico lo que quiere consumir, pero quiza no lo que necesita.

Mientras nos continuen dando montañas rusas de efectos, agendas y personajes forzados en la historia de Spiderman, seguiremos esperando volver a ver a nuestro superheroe favorito levantarse una vez más.

Michael

 

¿Es irónico o contradictorio decir que no soy "fan" de Michael Jackson cuando a la vez admiro su voz, sus canciones, su música, sus coreografías, sus capacidad creativa, su amor por el cine? Es pertinente recordar que él fue uno de los más grandes artistas que ha visto la humanidad en estos aspectos: Michael Jackson no era solo un intérprete que recibía canciones de un laboratorio de producción; él era el motor conceptual, el coreógrafo, el compositor y el director visual de su universo. Separar al creador de la creación es complejo cuando el producto final está hecho de su propia corporalidad y de su mente, y sin embargo no resulta irónico si entendemos que "ser fan de un artista" a menudo implica comprar el "paquete completo": defender su vida privada, seguir su mitología personal, participar en la cultura del fandom o idealizar al individuo. 

Es esta misma "ironía" la que nos encontramos en la reciente "Michael", del director Antoine Fuqua, quien cumple con el encargo en los limites que la maquinaria de imagen del producto "Michael Jackson" le permitiera, porque tampoco podemos seraprar tamaña película de su objetivo principal: vender más de Michael Jackson. Nuevamente la contradicción asoma su cabeza cuando la cinta recorre la "vida" de un niño llevado al estrellato y de un joven y un hombre consumidos por su impetu de crear, pero a la vez aprovechado y consumido por una familia que se colgó de él para salir gracias a su talento hacia las más altas ganancias, misma familia que ha producido esta cinta para aún despues de muerto seguir estirando los ingresos que el talento de Michael Jackson aún puede darles.

Fue Graham King el productor de "Bohemian Rapsody" el encargado de que junto a la familia Jackson enmarcaran la "vida" del artista para que  pudiera venderse tan bien como lo hizo el biopic de Freddy Mercury, y bajo esa misma directiva han bajado los niveles de todo lo que podria ser controversial alrededor de la historia contada haciendo del personaje "Michael" un angel o un Jesucristo moderno con nada más que buenas intenciones. Sin embargo no se podian ocultar sus claras "peculiaridades"  su gusto por las compras exoticas y de corte infatil, su casi obsesión por tener mascotas a las que humanizaba al considerarlas sus unicos amigos, siendo lo más resaltante la infancia marcada por el estrellado, el abuso y la soledad, la cual afecta mentalmente al personaje derivando en una fantasia con "Nunca Jamás" y Peter Pan, viendose a si mismo como un niño que nunca iba a crecer y un "protector" de otro niños, por los cuales empieza a sentir una fascinación.

En ese ultimo apartado radica el eje del conflicto de "Michael", en el abuso y asfixia creativa que le impone su padre, quien se convierte en el villano a vencer en esta "primera entrega" de su historia, la cual evoluciona desde sus inicios con los "Jackson Five" hasta su emancipación con "Off the Wall" y "Thriller". Es aqui donde la cinta brilla por lo que es: un espectaculo que celebra la creatividad, el arte y el talento de Michael Jackson en todo su esplendor, para aquellos que disfrutamos su música y podemos ver su dolor interno, es conmovedor volver a oir las melodias del modelo Motown con su soul, funk y groove en la angelical voz del pequeño Michael, sabiendo el transfondo de trauma que se iba generando en él. Palmas para el niño actor Juliano Valdi quien logra transmitir toda la inocencia, fragilidad y esperanzas del pequeño Michael y a la vez interpreta las emociones que el canto de Michael transmitía, usando su voz reconstruida con las grabaciones inconfubles de los Jackson Five, fue de lo que más disfrute de la cinta.

Lo más impresionate de la película es la maestria con la que el director Antonue Fuqua y el actor que intepreta a Michel, su sobrino Jaafar Jackson, vuelven a transmitir todo el espectaculo visual, sonoro y artistico, siempre asociado a lo cinematografico, que fue el legado del arte de Michel Jackson, los números musicales de la cinta son una maquina del tiempo privilegeada al interior de estas gestas y un show en si mismo al nivel de un concierto personal para el espectador. Recomiendo por este motivo ver el film en el mejor formato de cine que puedan encontrar, con respecto a este apartado habrán pagado una entrada a la altura del espectaculo.

Quienes vayan al cine a ver un reportaje judicial de las presuntas fechorias de Michael Jackson, quedarán decepciondos, uno porque el periodo que cubre la película solo va desde su niñez hasta su independencia empresarial de su padre y familia, y porque le objetivo de la cinta no es ese, mal encaminado quiza, la pelicula es un relato que retrata una realidad que el mismo Michael Jackson volvió una fantasía viviente, los mas cinefilos recordaran su pelicula "Moonwalker", un cinta donde se traslapan videos musicales con una historia de Michael transformandose en un conejo de plastilina, un auto y un robot gigante que salvava a unos niños de la calle de unos villanos con armas... eso era la mente de Michael Jackson, partiendo de ahi, esto es lo mas cercano que tendremos a una versión oficial de la perspectiva de su familia honrando su mente y su legado.

Exit 8

Exit 8 (o "Salida 8") es una película interesante por su origen, aunque no es apta para quienes se aburren fácilmente en el cine. Basada en el videojuego homónimo de 2023, su premisa es simple: cruzar un pasillo de una estación de tren y detectar anomalías en los carteles o puertas. Si no hay cambios, se avanza; si se descubre alguno, se retrocede. El objetivo es progresar desde el nivel 0 hasta la salida 8 para concluir el juego.

Gracias al éxito viral del material original, el guion se generó en tiempo récord. La cinta conserva las fortalezas y debilidades del juego, sumando una historia metafórica que intenta calar en el consciente del espectador mediante un planteamiento dramático básico. Aunque el trasfondo invitará al debate, la respuesta final es sencilla.

El protagonista, titulado "El hombre perdido", es un transeúnte japonés absorto en sus dispositivos tecnológicos, oyendo música mientras viaja en un transporte público abarrotado. Este aislamiento es un tema recurrente en la sociedad japonesa y sirve como punto de partida para la alegoría del pasillo infinito: ¿debemos percibir nuestro entorno y actuar, o escondernos tras la rutina y ser indiferentes ante las injusticias?

El desencadenante de la trama es una llamada de su pareja anunciándole que será padre. Ante el miedo de tomar la decisión más importante de su vida, huye hacia la "Salida 8". Allí inicia un recorrido marcado por la tensión y la claustrofobia, acentuadas por un padecimiento asmático heredado del videojuego. Los sobresaltos son escasos —algunos involucran a un inquietante "hombre caminante"—, por lo que la experiencia se percibe más como una tensa espera que como una sucesión de sustos que compensen la espera.

Sin embargo "Exit 8" le da mayor profundidad a la travesía de nuestro avatar, despertando al "hombre caminante" como un reflejo de lo que el protagonista podria llegar a convertirse si decidiera ignorar su alrededor e introduciendo el personaje de "el niño" como el hijo que el protagonista podria negarse a tener, pero que finalmente decide rescatar.Todo esto le da un arco al jugador de turno y le permite superar sus miedos y carencias, dando un cierre narrativo esperado y un mensaje y lección aprendida

Más allá de ser un dato curioso, Exit 8 atraerá al público masivo que siempre busca suspenso. Quizá hubiera sido más relevante explorar el horror físico, como en la mítica Cube, pero solo el éxito de esta entrega dirá si la franquicia evolucionará hacia horizontes más ambiciosos. Por ahora, ha dado suficiente de qué hablar.

Project Hail Mary

                       

Cuando supe que este año saldría una nueva película basada en otro libro de Andy Weir, autor de "The Martian", no pude sino emocionarme por el tráiler, el cual prometía una temática un tanto similar: un astronauta solitario abandonado a su suerte que tenía que ingeniárselas para sobrevivir, para cumplir con alguna misión indeterminada de la que dependía la supervivencia del planeta Tierra. Los visuales se veían geniales, y la música épica, el protagonista era Ryan Gosling, lo que parecía una apuesta segura; así que no quise saber nada más, para solo ir a disfrutarla y sorprenderme.

En retrospectiva  medida que la película se desarrollaba pude notar diferencias abismales con "The Martian", no solo porque la "ciencia" no es el eje central de la película, aunque si gravita en torno a ella, sino porque la verdadera temática estaba centrada en este profesor de escuela, el cual era una científico retirado de las esferas de la investigación, por sus "controversiales" ideas de que la vida podría tomar diferentes caminos si se le impusiera entornos diametralmente opuestos a los de la Tierra. Porque principalmente Project Hail Mary descansa su peso en los hombros de su protagonista, un actor que en esta película hace un despliegue único por la naturaleza del guión y la dirección de Christopher Miller y Phil Lord, directores de proyectos cómo "Lluvia de Hamburguesas" y "Lego: La Película".

En este último detalle, radica toda la peculiaridad de "Project Hail Mary", sus directores provenientes del medio de la animación fueron escogidos debido del plot twist del segundo acto; porque al inicio, aunque hay atisbos por la actuación de Ryan Gosling, la película intenta asemejarse a una mezcla de "The Martian" con visuales de "Intersetellar", esto gracias a la fotografía de Greig Fraser, famoso cinematógrafo de cintas como "Star Wars: Rogue One", "The Creator", "Batman" o "Dune", que le permite crear la atmosfera de premura apocalíptica, cuando una científica descubra una línea de microorganismos astrofagos que van desde el Sol a Venus llamada "Línea Petrova", los cuales consumirán la energía solar haciendo inhabitable el planeta en un plazo de unos treinta años.

Sin embargo los visuales de Fraser sufren un contraste interesante con las melodías del compositor  Daniel Pemberton, quien también viene del medio de animación con sus geniales composiciones para la saga de "Spiderman: Into The Spiderverse", que acompañan el radical y atrapante inicio cuando nuestro protagonista, el maestro de escuela Ryland Grace, despierte en medio del viaje a Tau Ceti, la estrella que se encuentra a casi doce años luz de la Tierra, con amnesia, sin saber por qué esta ahí, y sin recordar siquiera quién es él. En la nave que lleva otros dos ocupantes fallecidos durante el viaje, Grace descubre que no solo todas las estrellas de la galaxia están infectadas, sino que además está en un viaje sin retorno para descubrir por qué Tau Ceti es la única estrella que no está siendo consumida por los "astrofagos".

En este momento es pertinente volver a la actuación de Ryan Gosling; repasemos: dos directores y un compositor de premiadas cintas de animación, un director de fotografía de cintas de ciencia ficción, y para completar el equipo Drew Goddard, guionista de ciencia ficción de cintas como "Cloverfield", "Guerra Mundial Z" y el mismísimo "The Martian", todo este A-team que los Avengers estarían orgullosos de haber reunido, tenia un mismo objetivo: Hacer de "Project Hail Mary" una película animada llevada al "live action".  Y es en este mar creado por el equipo que la actuación de Gosling se sumerge y sinceramente amerita ser considerada para los premios de mejor actuación del año que viene, por el increíble precedente que sienta.

Gosling es, bajo esta perspectiva, un héroe renuente a la acción, un científico con una idea loca y una mente hábil dentro de un cuerpo torpe y una inocencia genuina, como si el personaje de "Lluvia de Hamburguesas" hubiera cobrado vida; su humor incesante y positivismo es una espejo de Emmet, el alegre protagonista de "Lego: La Película" y la épica sucesión de logros científicos que alcanza la humanidad a través de él, se aleja mucho de la rigurosidad científica de "The Martian" para adentrase un poco más la ciencia ficción de "Spiderman".

Para aquellos mal informados que vayan a ver "Project Hail Mary" esperando encontrar una nueva "Interestellar" podrían quedar muy decepcionados, pero para aquellos que como hice, vayan con la perspectiva predispuesta al asombro, notarán que la cinta de este reparto coral de técnicos y artistas esta más emparentada con "Wall-E" que con el film de Christopher Nolan. Sin embargo, no por eso carece de un correctísimo guión lleno de logros y caídas para nuestro protagonista que nos mantienen las dos horas y media de duración esperando ver más, y esto gracias a la colaboración del guionista Drew Goddard con el autor del libro original Andy Weir, que inevitablemente deben guardar el corazón de la cinta oculto hasta el giro del segundo acto, luego del cual "Rocky" (para los que ya vieron la cinta) se vuelve el "inocente" a proteger por nuestro héroe.

Pero de nuevo la presencia de "Rocky" caería a pedazos si no fuera, además por el sofisticado trabajo del equipo de efectos prácticos y especiales que le dan vida, por la actuación de Ryan Gosling quien da nuevamente una clase magistral de que la actuación es noventa por ciento reacciones, lo que hace que el vínculo entre ambos personajes se sienta realista y mantenga el espíritu y el interés del púbico pendiente de su bienestar. Decisiones tomadas por los realizadores convierte a Grace en una figura paterna más que en un igual para "Rocky", pero la alegría y ciencia lúdica que comparten ambos permite sentir también una amistad colaborativa a equidad de intelecto.

La cinta se complemente con la brillante y contrastante actuación de Sandra Hüller, recordada actriz alemana de cintas como “Anatomía de una caída” o “Zona de interés” , quien es el anclaje de la historia a una sensación de realismo y apremio que acompaña al “siempre en las nubes” Doctor Grace, es ella quien con el objetivo siempre en la mira, conduce los eventos bajo una actitud indoblegable y en ocasiones fría, que se rompe cuando es alcanzada por su aspecto mas humano y vulnerable en la ya memorable escena donde canta “Sing of the Times” de Harry Styles; y es este es otro motivo para disfrutar de “Project Hail Mary”, su fabuloso soundtrack de canciones inolvidables, desde gastarse una gran cantidad de presupuesto en una escena épica con “Two of Us” de The Beatles, hasta tener un momento de belleza emotiva con la “Gracias a la vida” de Mercedes Sosa.

Canciones, guión, diseño de arte, cinematografía, composiciones originales, dirección, actuaciones y sobre todo el increíble ejemplo de que la “animación” tiene una narrativa y preceptos que llevan décadas relegados pero que son igual de válidos y conmovedores para el público general, todo trabaja junto como una orquesta alegre para hacer de “Project Hail Mary” una de las razones por las que aun vale la pena pagar una entrada y sentarse en una butaca en el cine.

 

A knight of the seven kingdoms

 

"Un caballero de los siete reinos" es la más reciente adapatación para la televisión del universo de "Canción de Hielo y Fuego" escrito por George R. Martin, cuyo éxito televisivo estallara con "Juego de tronos"; solo que en esta ocasión la escala es menor, más intima, y sigue las aventuras de Dunk, un desconocido escudero, vuelto (o no vuelto) caballero errante, quien, la morir su señor, se dirige a una justa que celebra el honomasitco de la hija del señor de un castillo, y que en su camino se topa con una pequeño niño con la cabeza rapada apodado "Egg" (huevo) .

A partir de un personaje inocente y en cierta medida un "tonto", la historia nos traslada en la cotidianidad del pueblo llano, donde la injusticia y la indiferencia por los problemas de los otros reina como ha reinado y reinará durante toda la historia de la humanidad, para encontrarse con un corazón puro cuyo fin es hacer lo correcto, tal cual jura en sus votos de caballería. En gran medida la historia es un eco de aquella que Cervantes escribiera sobre otro caballero errante que recorriese La Mancha causando más desastres de los que quisiese solucionar, siempre con el baluarte de la justicia y la defensa del inocente; asi como "El Quijote" Dunk, reconvertido por necesidad en "Duncan El Alto", hace de si mismo el tonto en una linea delgada que separa su forma de hacer siempre lo correcto,entre la valentía y la estupidez, con él único norte que los juramentos de un cababllero.

Siendo el material base un cuento, y no una novela como lo fuera "Juego de Tronos", los capitulos de "Un caballero de los siete reinos" tienen una duranción de poco más de treinta minutos, que si usted logra pasar por las introducciones de los dos primeros (una de defecación visual y otra de genitalidad exagerada), podrán encontrar una historia bellamente contada y magistralmente dirigida, con una clara tendencia a la innovación narrativa, con la prespectiva de Dunk como principal eje. "Un caballero de los siete reinos" se toma su tiempo para respirar, admirar el paisaje, sentir la lluvia o presenciar el paso de una estrella fugaz rescotados bajo la sombra de un olmo en la noche, lo que devuelve la tranquilidad de un relato bien llevado donde los detalles más mundanos como preparar un desayuno se vuelven sublimes en compañia de Egg y Dunk.

La epicidad del relato cobra un giro crucial cuando producto de una supuesta ofensa contra su casa por un espectaculo de marionetas donde se mata a un dragón, Aerion Targaryen, el cruel y joven principe villano de este relato, intente romper los dedos de Tanselle la titiritera, amiga e interes romantico de Duncan, quien sin medir las consecuencias interviene golpeando al principe, lo que se considera traición. Es aqui donde es condenado a perder la mano y el pie con el que golpeó al principe, y donde por consejo de Baelor Targaryen, heredero al trono, Dunk pide un jucio por combate, como si de un wenster se tratase, dondedeberá unir a siete caballeros que defiendan su causa a muerte.

Los visuales donde el juicio se lleva a cabo, en esta ocasión convertido en un "juicio de siete", donde siete caballeros de un lado y siete del otro deben pelear a muerte por la justicia divina de determinar la culpabilidad o inocencia del acusado, son de otro nivel enteramente; al estilo de "Saving Private Ryan" la cámara nos sumerje en la presepectiva de Dunk a un nivel de inmersión realista que nos hace sentir dentro de la justa, convirtiendose en uno de los mejores capitulos de la historia de la televisión.

Los personajes estan magistralmente actuados y brillantemente dirigidos, todos y cada uno resulta interesante, producto de que el productor creativo a respetado al pie de la letra el material base creado por George R. Martin; desde Sir Alan de Pennytree, maestro de Duncan, hasta Raymond Fossoway ó Lionel Baratheon, todos y cada uno tienen su momento de humanidad y epicidad que los sumen en este evento de vital importancia en el mundo de "Juego de Tronos" donde las personas mas "insignficantes" pueden cambiar la historia de todo un mundo. Todo esto ha hecho que "El Caballero de los siete Reinos" sea una de las mejores series del año 2026.

28 years later: The Bone Temple

 

"28 years later: The Bone Temple" es la segunda película, de una nueva trilogía, de la tercera entrega de la trilogía original que empezara en el 2002 con "28 días después" y tuviera su secuela con "28 semanas después". Si esto les parece confuso déjenme guiarlos por el fascinante universo disruptivo en el género de cine zombi.

El año pasado la tercera entrega de la trilogía original llamada simplemente "28 años después" causo una placentera sorpresa entre los fans de la saga y al público general, llevando al extremo la historia del particular virus zombi creado por Danny Boyle. Y es que, en este universo, el virus tiene características que ya en el 2002 lo destacaron de todas las anteriores películas (comerciales) del género: se basa en una enfermedad de “ira” creada en un laboratorio y testeada en simios que por accidente infectan a los seres humanos, quienes inmediatamente pierden control de su conciencia, para empezar a tener hemorragias vomitivas, una ira desmedida y un ataque constante a otros seres humanos a quienes transforma.

Queda claro que en este caso, los infectados no pierden la vida, sino que se transforman biológicamente en otra forma de vida, algo que no había quedado claro hasta la entrega anterior en la que una de las infectadas en estado “zombi” fue encontrada embarazada, dando a luz a una bebé sana libre de la infección.

Mientras que la entrega anterior sorprendió con esta revelación, que realizaran su joven protagonista Spike y su madre Isla, en su búsqueda por el doctor Kelson interpretado por Ralph Fiennes. Esta entrega retoma la historia de Spike ahora unido a grupo de jóvenes con el que se topa, que actúan con acciones violentas sobre los sobrevivientes humanos con los que se toman, su líder los hace llamar a todo “Jimmy”.

“Bone Temple” difiere con su antecesora en que el protagonista Spike queda relegado por la decisión narrativa de centrar el eje de la acción y el protagonismo en dos personajes: El líder de los “Jimmys” y el doctor Kelson. Este podría ser el primer punto de desequilibrio en alguien que quisiera ver una continuidad de perspectiva, porque, aunque Spike aún es parte vital de la historia, su personalidad combativa y heroica para haber desaparecido para dar pase a una más temerosa e inactiva.

Son los otros seis “dedos” de Jimmy, a quienes él llama así, y su visión destructiva del mundo, el cual creen que ha caído en el dominio de Satanás y bajo el cual torturan y matan a las personas, lo que contrasta con los experimentos del doctor Kelson de traer de vuelta la humanidad en los infectados, teniendo como paciente de prueba al famoso zombi alfa Sansón a quien poco a poco medica experimentando con los límites de los efectos del virus en los seres humanos.

Son estas dos motivaciones: la humanista de Kelson y la satanista de Jimmy las que finalmente confluyen en el clímax de la película, que aunque en apariencia simple, esta llena de personajes carismáticos y actuaciones memorables; la estética del escenario nos permite entrar en la fantasía teatral en la que se ha convertido el mundo para estos seres, unos desde el miedo y las creencias y otros desde la razón y la ciencia, lo que hace un contraste realista de la misma naturaleza humana, sobrepasando la animal, para ser única en los limites que sobrepasa, capaz de crear y curar, como de destruir y matar.

Nina de Sosa ha logrado hacer una entretenida y destacable entrega de esta saga que mantiene la expectativa de que pasará a continuación, temiendo naturalmente por cada uno de los personajes, incluido Sansón. Si usted no tiene un estomago sensible podrá soportar la mínima dosis de gore que plantea la cinta, una digna entrega del universo de “28 días después”.

Rental Family

 

Rental Family es el segundo largometraje de la directora japonesa Hikari, quien saltó a la fama con la serie de Netflix "Beef", y quien mantiene, en esta última película, esa peculiar dualidad de ser de origen japonés pero criada en Estados Unidos desde su adolescencia. 

De esta dualidad surge "Rental Family", la historia de Philip, un actor estadounidense que se ha quedado "varado" en Japón tras triunfar en un anuncio de pasta de dientes, y que ahora va de trabajo en trabajo ofreciendo sus dotes interpretativas al mejor postor; hasta que inesperadamente se topa con una oferta de trabajo para actuar como familiar, asistir a velorios, ser el "novio extranjero" de una chica en apuros o el padre de una chica que nunca ha conocido a la suya. 

Hikari ha comentado que la idea de esta película surgió de la búsqueda de "trabajos inusuales" que un estadounidense pudiera realizar en Japón. Su coguionista, Stephen Blahut, sugirió este negocio de alquilar "familias" o "personas", algo verdaderamente extraño para el público en general, incluidos los japoneses, pero que parece haber cobrado mayor impulso tras la pandemia y el avance tecnológico, factores que han contribuido a una mayor sensación de soledad entre la población japonesa. 

Para el papel de Philip, Hikari eligió a Brendan Fraser, ganador del Óscar por "La Ballena", quien en esta película interpreta a un personaje inocente y soñador, pero pragmático, que simplemente busca trabajo para sobrevivir en Japón. Esto significa que no hay otra motivación que aceptar el nuevo rol como un trabajo más. Poco a poco, y como se esperaba de los tráilers y las sinopsis, Philip comienza a desarrollar un vínculo emocional con las personas para las que interpreta un personaje, sin que estas lo sepan.

Esto sucede porque algunas personas contratan los servicios de Philip para satisfacer las necesidades de sus seres queridos, quienes desconocen que es actor. Este es el caso de la niña mencionada anteriormente, que necesita una figura paterna para matricularse en la escuela, y a quien Philip se presenta como su verdadero padre; o de un escritor anciano con Alzheimer, para quien Philip interpreta a un reportero interesado en su vida. En ambos casos, nuestro protagonista desarrolla empatía y afecto por sus clientes, algo que no debería, pero que le resulta imposible no sentir. En ambos casos, va más allá de sus obligaciones por su bienestar, no sin consecuencias dramáticas.

Pero las novedades de "Rental Family" terminan ahí. Su ritmo distintivamente "japonés" no es gratuito ni forzado; es, en sí mismo, la "naturaleza" de cierto estilo narrativo japonés que se originó con el nacimiento de su cine con directores como Yasujirō Ozu. Este estilo refleja la cadencia ceremoniosa y la armadura externa que la gente de la sociedad japonesa está acostumbrada a exhibir, un estilo impuesto por los propios personajes, como hizo Wim Wenders con "Perfect Days". Pero donde otras historias encuentran personajes carismáticos, Hikari no revela nada nuevo. Por alguna razón, "Rental Family" da la sensación de ser una producción diseñada para forzar la emoción, con música que nos indica que debemos conmovernos.

Para distinguir claramente una obra que alcanza mayor profundidad, se puede ejemplificar la película japonesa de 2008 "Departures", dirigida por Yojiro Takita, una especie de sentimentalismo llevado naturalmente al clímax de la realización de la conexión humana y la celebración de la vida. Mientras que "Departures" resuena con contenido, "Rental Family" permanece anecdótica. Quizás si la película resulta "anecdótica", se deba a que la vida de Philip en Japón es, por definición, una sucesión de anécdotas pagadas. El cine contemporáneo de Hikari refleja una verdad incómoda: a veces, en la modernidad, la conexión humana ya no es un "clímax natural", sino un servicio que intentamos optimizar mediante la estética, incluso si el resultado es un "vuelo a medias".

One battle after another

 

Somos verdaderamente afortunados de que esta película se haya estrenado en cines de todo el país, y más aún en cines provinciales. Esto se debe quizás principalmente a dos factores: primero, como se puede apreciar en la imagen del encabezado, Leonardo DiCaprio aparece de forma destacada en todos los carteles y materiales promocionales, lo que lo convierte, a ojos del espectador, en el "protagonista" de la película; y segundo, el marketing la posiciona casi como una película de acción, permitiendo al público comprender fácilmente su género. Sin embargo, ninguno de estos factores es del todo cierto, pero tampoco del todo falso. La película utiliza los clichés del cine comercial (secuencias de persecución, villanos excéntricos) para presentar un estudio de personajes profundo y experimental, y eso es lo que la hace tan fascinante, llevándola a ser considerada por el público y la crítica como una de las mejores del año

Es gracias a Paul Thomas Anderson que "Una Batalla Tras Otra" se convierte en un producto único, ya que su filmografía, temáticamente hablando, no había producido previamente una película de acción, y por lo tanto, la acción no es el enfoque principal del director. En cambio, su enfoque principal se centra en el conflicto humano llevado al límite de la psique humana. Películas como "There will be blood", "The Master" y "Magnolia", entre otras, destacan por su profundidad emocional: amor, obsesión, precariedad y contradicción. Estos mismos hilos narrativos son los que podemos esperar en "Una Batalla Tras Otra", que, en apariencia, es una película de acción (porque lo es), y en su interior, un fascinante estudio de los personajes de cada uno de sus actores. "Una Batalla Tras Otra" es, por lo tanto, una batalla de contradicciones que no sigue un único camino: es una película de acción, un drama honesto, una obra sobre la obsesión y una comedia; cada uno de sus personajes, como notas musicales, contribuye a los acordes de esta sinfonía de variaciones.

Desde el inicio DiCaprio se siente como una nota disonante, atípica, por su gran papel secundario, es en esencia una protagonista en las sombras, como podríamos ser precisamente todos en cualquier escenario, el verdadero catalizador de toda la trama es su novia Perfidia Beverly Hills, interpretada por Teyana Taylor, provocadora mujer revolucionaria con el único objetivo de persistir en su lucha contra el estado, en especial es estado opresor de los inmigrantes.

En este sentido, la película se convierte en una extraña declaración de intenciones en un país donde la inmigración ha sido un tema central en la política interna durante años, convirtiéndose también en el motor del conflicto, una tercera capa: la supremacía autoimpuesta de la población "blanca" y su extremismo racial contra las diversas comunidades afrodescendientes y latinas. Dos figuras antitéticas operan en este mundo: el coronel Steven Lockjaw y el carismático sensei Carlos, interpretados por Sean Penn y Benicio del Toro respectivamente, ambos merecidamente nominados a Mejor Actor de Reparto. Son estos dos, junto con Bob Ferguson, el personaje de DiCaprio, quienes transforman la película, una vez que su catalizador inicial, Perfidia, desaparece de la pantalla, en una cuarta capa: la comedia.

Como una serie de episodios basados ​​en historias inconexas, pero sin cortes, "Una Batalla Tras Otra" se despliega ante tus ojos como una secuencia de divertidos contrastes, tan absurdos como la vida misma, mientras Bob y el Sensei Carlos intentan encontrar a Willa, la hija de Bob y Beverly, interpretada por Chase Infinity. La película gira en torno a ella, sin dejar de centrarse en Lockjaw, Bob, el Sensei Carlos y el contexto de la lucha entre el poder y la vida. Mientras Bob (DiCaprio) encarna la paranoia y el caos, Carlos proporciona una especie de "calma excéntrica" ​​a medida que la búsqueda de Willa se convierte en una serie de situaciones donde el plan siempre parece estar al borde del colapso. Anderson y del Toro usan a Sensei Carlos como nota a pie de página, lo que define todo el clímax final de la película.

Willa se convierte en la heroína y protagonista de su propia historia, relegando a Bob una vez más a una nota disonante que resulta inquietante debido a su falta de influencia en su destino final. Sin embargo, es esta decisión decepcionante la que Paul Thomas Anderson ejecuta con maestría, como si se tratara de la música de su compositor habitual, el guitarrista de Radiohead, Johnny Greenwood. Y esa es otra de las cualidades subyacentes de la película: la música de Greenwood y su aire de cine negro, acentuado por melodías disonantes, reflejan a la perfección la dirección que Thomas Anderson da a la cinta.

Sean Penn merece una mención especial. No lo reconocí realmente durante la película hasta que su nombre apareció en los créditos finales. Sus gestos, su físico y la psique interior del personaje, transmitida a través de la forma en que articula cada frase, cada mirada y, al mismo tiempo, persigue sus pasiones y deseos, lo convierten en el villano más simpático de una galería de figuras ilustres como Hans Landa (Christof Waltz), el Joker (Heath Ledger) o Anton Chigurh (Javier Barden). Lo más inquietante de Lockjaw no es su capacidad para la violencia, sino su carisma. Anderson no lo retrata como un burócrata frío, sino como un hombre con pasiones, deseos y una psique vibrante. Es alguien que disfruta de lo que hace; su maldad aunque proviene del odio, también surge de una convicción absoluta en su misión, lo que lo hace aún más peligroso porque es imposible razonar con su entusiasmo. Al retratar a Bob y Perfidia como anarquistas de emociones intensamente violentas, Lockjaw deja en parte de parecer un perseguidor de rebeldes de corazón puro y se vuelve más empático como un perseguidor de personajes verdaderamente peligrosos.

Volviendo al principio de esta reseña, pienso de nuevo que tuvimos suerte de ver esta película en cines. Claro que ahora se puede ver en plataformas de streaming, pero su maestría solo se aprecia plenamente en la pantalla grande, donde eres una conciencia unida a otras, inmerso en una realidad de disfrute a múltiples niveles..

IT: Welcome to Derry

 

En el pueblo de Derry, una extraña actitud de tolerancia al mal, y verdadero mal, se apodera de sus habitantes; desapariciones de adultos y, en aún en mayor cantidad, niños son solo sobrepasadas por la indiferencia más pasmosa. Es en este contexto que Stephen King instaura una historia de terror con trasfondos de horror cósmico en su famoso libro "IT" (ESO) con un ser inter- dimensional, que tomando la forma de nuestros peores miedos, devora insaciable a las víctimas que tengan la mala suerte de toparse con él.

Adaptada en 1990 para la televisión, no fue hasta el año 2017 que fue llevada a la pantalla grande en dos adaptaciones que dividían la obra de King, dirigidas por  el argentino Andy Muschietti, las cuales fueron un éxito rotundo, llegando a ser (aún) la película de terror más taquillera de la historia del cine. Muschietti surge de las cenizas del fracaso que fuera The Flash (2023)  como un fénix de horror renacido, para darnos una joya de la televisión magistralmente conducida donde se expande el lore del universo creado por King, pero a la vez nos cuenta la historia de personajes entrañables e inolvidables.

Como viene siendo con muchos cineastas, el streaming se ha vuelto una forma de escape para las grandes mentes del cine y en este caso un refugio para una de las mejores historias del año. "IT: Welcome to Derry" o "ESO: Bienvenidos a Derry" es una serie precuela de las dos películas que en el 2017 y 2019 dirigiera Muschietti, trayéndonos a la década de los 60, donde un nuevo ciclo de terror se inicia cuando, como cada 27 años, el ser cósmico conocido simplemente como "Eso" inicia una nueva ola de violencia.

Desde el capítulo uno la serie hace una declaración de intenciones en su crudeza y espectacularidad, indicando que nadie está a salvo, generando un verdadero desbalance en el espectador, manteniéndolo siempre sorprendido, a la vez que preocupado por el bienestar de los protagonistas, con escenas gore con suficiente malicia para hacer voltear la cara a los más sensibles. Radica aquí la maestría de la serie, realmente ser una serie de horror, y un relato satisfactorio del proceso de crecimiento de sus personajes, haciendo que la empatía se mezcle con el terror.

Las sorpresas de la serie no paran durante todos sus capítulos, como por ejemplo con la inclusión del personaje de Dick Halloran en la órbita de IT, siendo un personaje principal de la saga de "The Shining", como si de la fantasía de algún fan se tratase, haciéndolos combatir. Cabe notar que su inclusión no es forzada, sino que responde a los interludios que tiene la novela, donde se menciona su participación en la masacre del "Black Spot" hecho que también se muestra en uno de los capítulos más brillantes de la serie.

Las actuaciones de Chris Chalk como Dick Halloran, Jovan Adepo como el abuelo del famoso Mike Hanlon, y sobre todo Bill Skarsgård repasando su papel como el payaso Pennywise, son resaltantes a un nivel cinematográfico. Es en cierta forma una lástima que este relato no lo hayamos podido ver en el cine, como suele pasar con materiales tan bien hechos en calidad técnica, como narrativa como este. Bastará decir que HBO ha retomado su rol de ser "más que televisión" como recordara con series estilo "Band of Brothers" o "Game of Thrones", las actuaciones del elenco de niños está a la altura de sus contrapartes adultas, generando verdadero apego del espectador por ellos, logrando picos emocionales tan fuertes como lo fueran aquellos que generaban las películas. Sin mencionar por no contar la trama la epitome de la épica cuando uno de los personajes infantiles se enfrente directamente a IT.

                                    

Si es usted es fan del terror, más aún fan de las novelas de Stephen King, y fan de la historia de It y las películas de Muschietti, definitivamente no debe perderse esta serie, la cual eleva las posibilidades del universo cinematográfico de Stephen King a niveles que quizá ahora solo podemos sospechar. Por ahora habiendo sido saciados de horror cósmico y aventura, volveremos a hibernar a la espera de la siguiente temporada de esta serie, que retrocederá 27 años al pasado. Esperemos pacientes la nueva era de terror que nos traerá IT. Por ahora les diré que está es sin duda la mejor serie de terror del año.

Frankestein

Es imposible separar al creador de su creación, y precisamente este es uno de los ejes centrales de la novela que en el año 1818 publicara la escritora británica Mary Shelley, delimitando con ella el género de terror vinculado a la ciencia ficción; paradójicamente esta máxima también parece aplicarse a la nueva película del director mexicano Guillermo del Toro, quien ha visto cumplido su sueño gracias a su pasión y el apoyo del gigante Netflix.  La película, fruto de décadas de fascinación, es un lienzo suntuoso donde su amor por el monstruo incomprendido y esencialmente piadoso se manifiesta plenamente.

Y es que la historia de Del Toro y Frankenstein se remonta a los inicios de su fascinación por genero de lo monstruoso y lo terrorífico, así a lo largo de su filmografía ha habido varias reminiscencias de lo que en su mente era la figura del ser incomprendido, destinado a ser diferente, pero más piadoso y humano que lo que por generalidad se consideraría humano.

En Frankenstein Del Toro modifica elementos del relato aquí y allá, no siempre en una sensación global de mejora a la historia, pero si con una justificación narrativa que le da nuevos matices a los personajes; así Victor y su amada Elizabeth no tienen una relación de amor, y se palpa a momentos una fascinación unilateral, mientras que como hiciera en "La forma del Agua" Elizabeth se siente más vinculada a la criatura. Su padre, como mecenas de Victor también es un añadido que se escabulle sin mayor visceralidad, tal como lo hace el reconvertido en adulto hermano de Victor. Poco a poco se entreteje y justifica las acciones de Victor, con la figura del padre castigador, y la añoranza del cuidado maternal perdido como un catalizador a su búsqueda por vencer a la muerte.

Alrededor de todos estos cambios Del Toro construye un espectáculo visual fascínate lleno de color y representatividad que trasladan al inconsciente del espectador las motivaciones, búsquedas y hallazgos de los personajes. El rojo, el negro, el azul, el blanco llevan la batuta de una historia contada desde dos perspectivas: El creador y su creación. Oscar Issac hace un gran papel como el obsesivo Victor Frankenstein, pero no lograr transitar, quizá por una decisión de dirección o edición. el camino que enlaza la violencia ejercida durante su infancia con la violencia con la que trata a su "hijo" o creación, sino que le surgen en momentos de frustración con la criatura. 

Por su parte Jacob Elordi gesticula y se mueve convincentemente como "La Criatura", una verdadera epitome de la complexión human hecha de trozos de otros cuerpos, para formar uno bien proporcionado y limpio, tal cual la maestría de un genio cirujano lo imaginaría. Es ahí la gran diferencia con anteriores versiones de la novela que lo representan deforme y demente, su verdadera deformidad no es física, sino ontológica: un ser sin nombre ni propósito, que solo desea la conexión humana que Victor le niega. Elordi es presa de su propia identidad, super fuerza e incluso inmortalidad, cuando la mente y el corazón del monstruo pueden ser capaces de amar y tener compasión, mientras que su cuerpo e ira lo hacen el estereotipo de una bestia.

Todo esto hace que Frankenstein de Del Toro sea un gigante de técnica cinematográfica, pero con una mente y corazón que aun necesitan empezar a latir con mayor fuerza. En parte por lo predecible de la historia ya contada. Para nosotros los fanáticos tanto de Guillermo como de Frankenstein la experiencia es increíble y mágica, sin embargo no lo será para el público general, sino le tienen la suficiente paciencia para dejarla crecer dentro de ellos.

 

The Conjuring 4: Last Rites

 

En su primer fin de semana la última entrega de la saga "El Conjuro"  ha generado un éxito inesperado, para un año en que Warnner Bros viene liderando la taquilla, llevando a los cines a una insospechada cantidad de publico a nivel mundial. Dirigida por el clásico director de la franquicia Michael Chaves, quien ha realizado su carrera enteramente dirigiendo peliculas del universo de "El Conjuro", la película vuelve a trasladar nuestros miedo al entorno que en su momento fuera tan exitoso con cintas de terror como "El Excorsista" y "La Profecia": la religión y la familia.

Llevando el terror como una amenaza a estos dos espacios donde deberiamos sentirnos seguros y protegidos, la historia sigue uno de los casos sin resolver de la familia Warren esta vez trasladandonos a mitad de la década de los ochenta, donde los "famosos" investigadores sobrenaturales se encuentran retirados, un objetivo mucho más personal para los Warren sumando a la amenaza demoniaca : su propia hija.

La estructura siguiente es la misma que le diera exito a la franquicia en las entregas 1 y 2 de la saga, sin embargo no por eso es menos efectiva, como un lugar familiar que nos lleva por las "tres etapas" de la posesión, tal cual lo hicieran sus antecesoras, con correctas actuaciones de la familia Smurl y los clásico "jump scares" manejados correctamente. Lo que hace atrapante a "Last Rites" es la sensación de peligro que se plantea por la edad avanzada de sus protagonistas y el inminente riesgo de perder en el proceso a su hija.

Similar a "El Exorcista" la narrativa de "El Conjuro" tiene una cadencia interesante que nos lleva poco a poco a la confrontación final donde la familia Warren, unida ahora con la siguiente generación representada por su hija y su prometido, logran detener al demonio de turno con una final anticlimatico, dado que este fue uno de los casos que los Warren no pudieron resolver.

Es complicado pensar que luego del exito de esta entrega "final" no continuen con la franquicia, sobre todo por el buen sabor de boca que ha dejado en el público,  y aunque tenga una sensación a final y cierre digno, quizá veamos aun más de los Warren en el futuro.

Superman

Hay tantas versiones e interpretaciones cinematográficas de Superman como las ha habido en los cómics a los largo de sus casi cien años de creación: insuperables, frágiles, generosos, totalitarios, inexpertos, veteranos; y por supuesto en el cine siempre ha sido referenciada la versión de Superman de 1978, como el arquetipo de lo que él clásico superhéroe de DC debe ser.

El director James Gunn, ahora convertido en co-director de la renovada "DC Studios", nos ha traído "su" versión (nunca mejor usado él articulo posesivo) del hombre de acero, usando los elementos básicos de su mitología pero transformandolo en uno de sus caracteristicos personajes falibles, como ya lo hiciera en sus otros exitos "Guardianes de la Galaxia" o "Sucide Squad", a la vez que se mantiene fiel a la esencia del superheroe pero imprimiendo una realista motivación para que su "hombre del mañana" tome la decisión de obrar a favor de lo más desvalidos y proteger la vida a todo nivel.

El apartado visual de Gunn se repite como en su anterior filmografía trayendonos un universo colorido, en ocasiones a tales extremos de ruido que recuerda a la visualmente extraña "Guardianes 2" con colores saturados, combinaciones psicodélicas y movimientos rápidos, que podrían marear el espectador más desprevenido, que quizá se pueda sentir abrumado por el maremagnum de personajes que se precipitan uno tras otro en un mundo ya establecido que inicia en media acción con un Superman derrotado huyendo hacia su "Fortaleza de la Soledad".

Claramente influenciado por la "Edad de Plata" de los comics del personaje y apoyandose en los casi cincuenta años desde la primera vez que apareciera en la pantalla grande, Gunn asume acertadamente que el público mundial conoce el universo de los superheroes y en especial el de Superman, asi nos introduce en una historia basada en tres ejes narrativos principales: la aparición de Krypto, una historia de origen personal de Superman y su enfrentamiento contra los planes de Lex Luthor por asesinarlo.

Con respecto al primero, Krypto tiene la misma  transformación que Clark y los Kent, en esta versión Krypto deja su clásica apariencia  y personalidad para ser más un mestizo problemático con no mayor objetivo que ser un perro y nada más, se agradece que sea uno de los motores de la historia ya que cualquier dueño de un perro se puede identificar con ese deseo de cuidar y proteger a tu mascota, lo que hace que me haya sentido más empatico aun con el personaje de Superman, esto hace que la inclusión de Krypto no se sienta extraña.

El segundo eje se desarrolla de igual forma Johnattan y Martha quienes se vuelven dos padres aun mas comunes y realistas para Clark Kent, resaltados gracias un giro de trama tan sorpresivo que podria dejar con la guardia baja a los fanáticos de Jor-El y Lara, pero que es esencial para determinar un claro mensaje de la versión de Gunn: este Superman decide hacer el bien por que es lo que trae con él, pero principalmente por la influencia de sus padres terricolas.

Siendo estos los dos ejes emocionales de la historia, la acción la trae el tercero, con un Lex Luthor interpretado por un Nicholas Hoult a la vez que "comiquero" más despiadado y determinado en su objetivo de eliminar a Superman, con quien llegan como secuaces "La Ingeniera" y "Ultraman", además una larga secuencia de planes que involucran Kaijus, universos de bolsillo, equipos técnicos, planes de desacreditación, conflictos internacionales y la clásica kryptonita.  Todo desde la perspectiva de la ya mencionada "era de plata" lo que hace que brillen personajes como Jimmy Olsen y claro Lois Lane interpretada por Rachel Brosnahan, que repite la versión de Lois que ya vieramos interpretado por Bitsie Tulloch en la recordada "Superman & Lois".

En resumen si no gustan del universo de James Gunn quiza no disfruten de esta versión, pero estoy seguro que conforme más veces se vea esta película un verdadero fan de Superman sabrá apreciar su influencias como "Superman All-star" como resumen de todas las etapas del personaje, asi como la divertida inclusión de la "Justice Gang", Mr. Terrific, Hawkgirl y Guy Gardner. Superman se siente como una continuidad del universo creado en "Sucide Squad" y "Peacemaker", pero pareciera que aunque estos tres proyectos han tenido el sello caracteristico de Gunn, el resto de película que seguirán tendrán la marca de los directores y guionistas que lo sucedan. Solo el tiempo dirá si podremos seguir disfrutando de una era de popularidad de estos personajes.